VASILI VASÍLIEVICH KANDINSKI

                                                                                            Vasili Vasílievich 

Con él, comienza la abstracción lírica
 y el expresionismo.

Vasili Vasílievich Kandinski —en ruso, Васи́лий Васи́льевич Канди́нский, translit.: Vasíli Vasílievič Kandínskij— nació en Moscú, el 4 de diciembre ^jul./ 16 de diciembre de 1866 ^greg.-y murió en Neuilly-sur-Seine, el 13 de diciembre de 1944. 

Pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que, con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo.

Vasili Kandinski nació el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. 

Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población siberiana cercana a la frontera con Mongolia. La abuela de Vasili era una aristócrata mongola de la dinastía Gantimúrov. Lidia Ivánovna Tijéieva, la madre de Vasili, era de Moscú. Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa, donde se trasladó la familia en 1871. Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elizaveta Tijéieva también lo cuidó. Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de violonchelo.

En 1886 Kandinski comenzó sus estudios de Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía. En 1892 se casó con su prima Anna Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895, al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin de Richard Wagner en el teatro Bolshói.

Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte. Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta 1900, cuando fue admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que la paleta de Kandinski era demasiado brillante, le hizo pintar en una gama de grises durante un año.

En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi "fauve". También pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. 

La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema, borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 expuso por primera vez con la Secesión de Berlín y realizó sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1903 se divorció de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter. Durante cinco años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes. 

En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud, por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente, que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909, y en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales.

En 1913 escribió sus memorias y una colección de poesías. En 1913 una obra suya se presentó en el Armory Show de Nueva York.

Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa Gabriele se mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914 Gabriele volvió a Múnich y Kandinski volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció a Nina Andreevskaya, que era hija de un general ruso. Se casó con ella en febrero de 1917.

A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolló un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo estaba la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en "el plan de propaganda monumental" ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propició la salida de Kandinski de Rusia.

En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte.

Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la Bauhaus que llevó a su cierre en 1932. Kandinski y su esposa emigraron a Francia y fijaron su residencia en Neuilly-sur-Seine, suburbio de París.

Arte abstracto

Kandinski, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

El desarrollo de Kandinski hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en Abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

En 1912 publicó De lo Espiritual en el Arte, donde critica a las instituciones académicas tradicionalistas y la idea de arte en general. Es el primer libro que describe la fundación teórica del movimiento abstracto y habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.²

Entre 1926 y 1933 pintó 159 óleos y 300 acuarelas. Muchos de ellos se perdieron después de que los nazis declararon degeneradas sus pinturas. En 1939 se nacionalizó francés.

Juventud y la inspiración (1866-1896)

Kandinski recuerda la fascinación por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a Vólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura.

 Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. 

Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano".

En 1896, a la edad de 30 años, Kandinski abandonó una prometedora carrera docente en el mundo de la ley y la economía para inscribirse en la escuela de arte de Múnich. No se le concedió inmediatamente la admisión, y comenzó a aprender el arte por sí mismo. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet. Se lo llevaron todo con el estilo impresionista de Haystacks, lo que, para él, tenía un fuerte sentido de color casi independiente de los objetos mismos.

Kandinski fue influenciado de manera similar durante este período por Richard Wagner que, según él, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar. Fue también espiritualmente influenciados por Helena Blavatsky (1831-1891), la mejor exponente conocida de la teosofía. 

La Teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica, a partir de un solo punto. El aspecto creativo de la forma que se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. Los libros de Kandinski De lo espiritual en el arte (1910) y Punto y línea sobre el plano (1926) se hicieron eco de esta doctrina teosófica.                                                                        Metamorfosis

La escuela de arte, por lo general se considera difícil, pero era fácil para Kandinski. Fue durante este tiempo que comenzó a surgir como un teórico del arte, y como un pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo xx, queda mucho de los paisajes y pueblos que pintó, con amplios sectores de formas de color y reconocible.

En su mayor parte, sin embargo, las pinturas de Kandinski no cuentan con ninguna figura humana, una excepción es el domingo, Domingo. (Rusia antigua) (1904), en la que Kandinski recrea un muy colorido (y de fantasía) vista de los campesinos y los nobles frente a los muros de una ciudad.

Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, con una mujer con la ternura y el cuidado que cabalgan junto a un pueblo ruso con paredes luminosas a través de un río. El caballo está en silencio mientras las hojas de los árboles, la ciudad, y los reflejos en el río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que se derrumbó la profundidad de campo en una superficie plana y luminiscente. El fovismo es también evidente en estas primeras obras. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinski de la materia, no para describir la naturaleza objetiva.

Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década de 1900 fue El Jinete Azul (1903), la cual muestra una pequeña figura envuelta en un caballo veloz corriendo por un prado rocoso. El piloto manto es azul medio, lo que arroja una sombra más oscura de color azul. En el primer plano son sombras azules más amorfos, las contrapartidas de los árboles de la caída en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (aunque no claramente definida), y el caballo tiene un andar anormal (que Kandinski debía saber). 

Algunos historiadores del arte creen que una segunda figura (tal vez un niño) se lleva a cabo por el piloto, aunque esto puede ser una sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, lo que permite a los espectadores a participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinski en los años siguientes, y culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. 

En El Jinete Azul, Kandinski muestra el jinete más como una serie de colores que en los detalles específicos. Esta pintura no es una excepción en este sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección Kandinski tomaría sólo unos pocos años después.

Entre 1906 y 1908 Kandinski pasó mucho tiempo viajando por Europa (él era un asociado de la Blue Rose grupo simbolista de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara de Murnau. El cuadro llamado La Montaña Azul (1908-1909) fue pintado en este momento, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña de azul está flanqueada por dos árboles grandes, uno amarillo y uno rojo. Una procesión, con tres pilotos y varios otros, se cruza en la parte inferior. Las caras, ropa y sillas de montar de los jinetes son cada uno un solo color, y ni ellos ni las figuras caminando muestran cualquier detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en el Blue Mountain ilustra inclinación de Kandinski hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma, y que cada color se le da la misma atención. La composición es más plano, el cuadro se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el amarillo y el árbol de la montaña azul con los tres pilotos.

Regreso a Rusia (1914-1921)

De 1918 a 1921, Kandinski trata la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma del museo. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de la forma y del color, también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística en Moscú. En 1916 conoció a Nina Andreievskaya, con quien se casó al año siguiente. Su punto de vista espiritual, expresionista del arte fue finalmente rechazado por los miembros radicales del Instituto como demasiado individualista y burgués. En 1921, Kandinski fue invitado a ir a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius.

La Bauhaus (1922-1933)

Kandinski no solo enseñó la clase de diseño básico para principiantes y el curso sobre teoría avanzada en el Bauhaus, sino que también llevó a cabo clases de pintura y un taller en el que aumentó su teoría del color con los nuevos elementos de la psicología de la forma. 

El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, en particular en los puntos y formas de línea, dio lugar a la publicación de su segundo libro teórico Punto y línea sobre el plano en 1926.Los elementos geométricos adquieren una importancia cada vez mayor tanto en su enseñanza y la pintura, especialmente el círculo, medio círculo, el ángulo, las líneas rectas y curvas. Este período fue sumamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de los aviones rico en colores y matices -como en el amarillo-rojo-azul (1925), donde Kandinski ilustra su distancia desde el constructivismo y el suprematismo, movimientos influyentes de la época.

Los dos metros de ancho amarillo - rojo - azul (1925) se componen de varias formas: un rectángulo vertical amarillo, una cruz inclinada roja y un gran círculo azul oscuro, una multitud de líneas negras rectas (o sinuosa), arcos circulares, círculos monocromáticas y dameros de colores dispersos, contribuyendo a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y de las masas principales de los colores presentes en el lienzo son sólo una primera aproximación a la realidad interna de la obra, cuyo reconocimiento exige la observación más profunda, no sólo de formas y colores que intervienen en la obra, sino su relación absoluta, las posiciones relativas en el lienzo y su armonía.

Kandinski fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formada en 1924 con Paul Klee, Feininger y Alekséi von Jawlensky, que dio conferencias y exhibió en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha y a la izquierda de la Bauhaus de Weimar, se establecieron en Dessau en 1925. Después de una campaña de difamación nazi de la Bauhaus Dessau en 1932 se marcha a Berlín, hasta su disolución en julio de 1933. Kandinski luego abandonó Alemania y se estableció en París.

La gran síntesis (1934-1944)

Al vivir en un pequeño apartamento en París, Kandinski creó su trabajo en un estudio de la sala. Con formas biomórficas, flexibles, no geométricas, los contornos de las formas que aparecen en sus pinturas sugieren organismos microscópicos que no hacen sino expresar la vida interior del artista. Kandinski utiliza composiciones originales en color, que evoca el arte popular eslavo. También en ocasiones mezcla con arena la pintura para dar a sus obras una textura granular y rústica.

En la obra de Kandinski, algunas características son evidentes, mientras que ciertos toques son más discretos y velados, y sólo se revelan progresivamente tras profundizar en la relación con su trabajo. Tenía la intención de sus formas (que él sutilmente armonizados y colocado) para resonar con el alma del observador.

En este período muchas de sus obras fueron adquiridas por Solomon Guggenheim, que fue uno de sus apoyos más entusiastas.

Teoría artística y espiritual

Al igual que en las teorías de los ensayos Der Blaue Reiter Almanac y las indicaciones del compositor Arnold Schoenberg, Kandinski expresó también la comunión entre el artista y el espectador como puestas a disposición tanto de los sentidos y la mente (sinestesia). Escuchando tonos y acordes mientras pintaba, Kandinski afirma que, por ejemplo, el amarillo es el color del centro en una trompeta de latón, negro es el color del cierre y el fin de las cosas, y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. Kandinski también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea sobre el plano (ver más abajo).

Durante los estudios que Kandinski hizo en preparación para Composición IV, se sintió agotado y se fue a dar un paseo. Mientras estaba fuera, Gabriele Münter arregló su estudio y sin querer le dio vuelta el lienzo. Al regresar y ver la tela (sin reconocerla) Kandinski cayó de rodillas y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto nunca. Había sido liberado del apego a un objeto. Como la primera vez que vio las Pilas de Heno de Monet, experiencia que cambiaría su vida.

En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinski estaba trabajando en su Composición VI que le tomó casi seis meses de estudio y preparación. La obra pretendía evocar una inundación, el bautismo, la destrucción y renacimiento al mismo tiempo. Después de describir el trabajo sobre un panel de madera de tamaño mural, se quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que él estaba atrapado en su intelecto y no alcanzaba el verdadero sujeto de la fotografía. Le sugirió que se limitara a repetir la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se centrara en su sonido y no su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinski pintó y completó la obra monumental en un lapso de tres días.

El análisis sobre las formas y los colores de Kandinski resulta, no de simples y arbitrarias asociaciones con ideas, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con formas y colores sin descanso, observando sus pinturas y las de otros artistas, teniendo en cuenta sus efectos sobre su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la "absoluta vida fenomenológica ".

Sobre lo espiritual en el arte

Publicado en 1911, el libro de Kandinski compara lo espiritual en la vida de la humanidad a una pirámide, el artista tiene la misión de guiar a otros a la cima con su obra. La punta de la pirámide son esos pocos artistas, grandes. Se trata de una pirámide espiritual, avanzando y ascendiendo lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos decadentes, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide, la humanidad sólo busca el éxito externo, haciendo caso omiso de las fuerzas espirituales.

Los colores en la paleta del pintor pueden evocar un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, de forma similar a la impresión alegre cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, que causa una vibración del alma o una "resonancia interior", un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.

"Necesidad interior" es, para Kandinski, el principio del arte y de la fundación de las formas y la armonía de los colores. Él lo define como el principio de contacto eficaz de la forma con el alma humana. Cada forma es la delimitación de una superficie por otro, sino que posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira con atención. Esta necesidad interior es el derecho del artista a la libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en la necesidad. Arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática, mística a través del cual adquiere una vida autónoma, se convierte en un sujeto independiente, animada por un aliento espiritual.

Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un color aislado y se le deja actuar solo, por un lado son la calidez o frialdad del tono de color, y por el otro la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia hacia el amarillo, y la frialdad de una tendencia hacia el azul, amarillo y azul, forma el primer gran contraste y dinámica. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece moverse más cerca de nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. El azul es un color celeste, que evoca una profunda calma. La combinación de los rendimientos de azul y amarillo da un resultado de inmovilidad y de calma, que es el verde.

La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. Blanco y negro forman el gran contraste segundo, que es estático. El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. El negro es la nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena con fuerza en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro da gris, que no posee ninguna fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la de verde. El gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza, pero tiende a la desesperación cuando se pone oscuro, recuperando un poco de esperanza cuando se ilumina.

El rojo es un color cálido, alegre y agitado, es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color fuerte. Mezclado con amarillo, gana en calidez y se vuelve naranja, que imparte un movimiento de irradiación en sus alrededores. Cuando se mezcla con rojo y azul se aleja para convertirse en púrpura, que es un rojo fresco. Rojo y verde forman el gran contraste tercero, y naranja y púrpura el cuarto.

Punto y línea sobre el plano

En sus escritos Kandinski analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie del material en el que el artista dibuja o pinta el plano básico, o PB. Él no los analiza objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto sobre el observador interior.

Un punto es un poco pequeña, de color formulada por el artista en el lienzo. No es ni un punto geométrico ni una abstracción matemática, sino que es la extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, aunque, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede ser aislado o resuenan con otros puntos o líneas.

Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o pincel por el artista. Las formas producidas lineales pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicado en una sola dirección; una línea angular, como resultado de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una curva (o en forma de onda) línea, producido por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un avión se pueden obtener por condensación (desde unos girar alrededor de la línea de uno de sus extremos).

El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo en el que el hombre se apoya y se mueve, sino que posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar a la de color negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura, y no ofrece ningún apoyo, sino que posee una tonalidad luminosa cálida próximo al blanco y amarillo. Una diagonal posee una más o menos caliente o frío tonalidad, de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta se corresponde con lirismo, varias fuerzas que se enfrentan (o molestar) sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálido y cercano al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), el frío y similar a azul por un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo por un ángulo recto (un cuadrado).

El plano de base es, en general, rectangular o cuadrada. por lo tanto, que se compone de líneas horizontales y verticales que delimitan y definen como una entidad autónoma que soporta la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad se determina por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales que dan una tonalidad calma, frío al plano de base, mientras que las verticales impartir una tonalidad calma, cálido. El artista intuye el efecto interior del formato de lienzo y dimensiones, que él elige de acuerdo a la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinski considera el plano básico de un ser vivo, que el artista "fecunda" y se siente "respirar".

Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva, lo que influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que redactará en él, y contribuye a la riqueza de la composición resultante de la yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico se corresponde con soltura y ligereza que, mientras que la continuación evoca la condensación y la pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son sólo el resultado de un proceso al azar, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior. www.wikipedia.org


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